Besuch der Uffizien-Galerie in Florenz: Höhepunkte

Für Kunstliebhaber ist die Uffizien-Galerie die wichtigste Attraktion in Florenz. Casual Touristen, ob sie die Galerie unabhängig oder bei einer Führung besuchen, möchten zumindest die Highlights sehen, einschließlich des berühmtesten Werkes: Botticellis "Die Geburt der Venus".

Abgesehen von ihrer Größe ist vielleicht die erstaunlichste Sache, die man vor dem Besuch der Uffizien-Galerie wissen sollte, dass dies eine private Sammlung einer Familie war - und nur ein Teil davon. In ihren anderen Palästen und Villen sind noch mehr unbezahlbare Kunstwerke verborgen.

Neben den Sammlern waren die Medici auch große Kunstmäzene, und ohne deren Patronage wären viele dieser Werke vielleicht nie entstanden. Halten Sie während Ihrer Tour kurz inne, um der Frau zu danken, die dafür sorgte, dass diese großartige Sammlung - und die anderen Medici-Kunstwerke - hier in Florenz bleiben.

Die Sammlungen wurden der Stadt von Anna Maria Ludovica von der Pfalz, der letzten Erbin des Hauses Medici, die 1743 starb, testamentarisch übertragen. Sie legte fest, dass sie in Florenz bleiben müssen.

Die Uffizien beherbergen eine der bedeutendsten Sammlungen von Gemälden weltweit. Neben florentinischer und italienischer Kunst umfasst sie auch eine große Anzahl ausländischer Werke und klassische Skulptur.

Ihr größter Schatz ist die einzigartige Sammlung florentinischer Renaissance-Malerei, ein wesentlicher Teil des Beitrags dieser Stadt zur europäischen Kunst. Diese Werke aus der Zeit von etwa 1300 bis 1500 ebneten den Weg für die gesamte westliche Kunst, die folgte.

In diesem Leitfaden finden Sie die Highlights der Schätze der Uffizien, die derselben Reihenfolge folgen wie die eigenen Tour-Richtlinien des Museums. Kunstwerke werden in chronologischer Reihenfolge nach dem Jahr, in dem sie gemalt wurden, gezeigt, beginnend mit Raum 2 im zweiten Stock der Uffizien.

Jedoch sind die Werke über Raum 13, der achteckigen Galerie in der Tribune, nicht mehr in chronologischer Reihenfolge, sondern nach Schulen, Regionen und Ländern angeordnet. Sie decken Werke von etwa 1500 bis 1700 ab.

Das Projekt "Neue Uffizien" ist im Gange, mit der Verlagerung von Kunstwerken in andere Galerien, einige Galerien sind wegen Renovierung geschlossen, und neue Abschnitte werden eröffnet. Daher sind während der Übergangszeit einige Gemälde möglicherweise nicht in der beschriebenen Reihenfolge oder in den angegebenen Galerien zu finden. Stellen Sie sicher, dass Sie bei Ihrem Besuch einen aktuellen Galeriekarten erhalten. Aber die meisten Highlights der Sammlungen werden ausgestellt sein, und während Sie die Uffizien-Galerien besichtigen, können Sie diesen Leitfaden nutzen, um die Entwicklung künstlerischer Stile und Finesse zu verfolgen, von den frühen zweidimensionalen, symmetrischen und stilisierten Darstellungen bis zu lebensechten Porträts, die bereit zu sein scheinen, aus der Leinwand zu treten.

Sie werden auch bemerken, dass sich die Einstellungen ändern, so dass sie natürlicher und malerischer, aber auch realistischer werden. Sie werden die Uffizien nicht nur als Touristenattraktion wahrnehmen, sondern als einen faszinierenden Kurs in der Kunstgeschichte, und einer der wichtigen Orte, die in Florenz zu besuchen sind.

Raum 2 der Uffizien vereint drei große Madonnen aus der Zeit um 1300 und illustriert den Beginn der toskanischen Kunst und einen ihrer ersten Höhepunkte. Diese drei Gemälde, zusammen angesehen, sind die beste Einführung, die man sich wünschen kann, sowohl in die Uffizien als auch in die Renaissancekunst.

Cimabues Madonna Enthroned (ca. 1275) ist immer noch vollständig in der byzantinischen Maltradition, die die Jungfrau darstellt, die wie eine Statue wirkt, abseits von der Realität und umgeben von symmetrisch angeordneten Engeln. Cimabues Jesuskind ist wie ein römischer General gekleidet, und es gibt kein Zeichen für einen zärtlichen Austausch zwischen Mutter und Sohn.

Im Gegensatz dazu zeigt Duccios Madonna Enthroned (1285) mehr Bewegung, mit sanften Farben und fließenden Linien, bleibt aber dennoch ätherisch und distanziert.

Die erste Erscheinung einer menschlichen, realistischen Sicht findet sich in der Madonna Enthroned von Giotto (ca. 1310). Der Thron scheint fast zum Greifen nah, die Figuren haben Gewicht und Festigkeit, während sie Augenkontakt miteinander und mit dem Betrachter aufnehmen.

Giotto war der erste Künstler, der die Jungfrau als Frau mit physikalischer Präsenz darstellt, und sogar seine Nebenfiguren sind lebhaft und haben unterschiedliche Gesichtsausdrücke. Er bricht mit den dulleren Farben der byzantinischen Kunst, während die Hintergründe die traditionelle Goldfarbe behalten.

Giottos wichtigste und historische Errungenschaft war jedoch seine Komposition. Er war der erste Maler, der einen gut definierten Raum schuf, der das Auge des Betrachters berücksichtigt, und seine pyramidenförmige Komposition schuf ein Modell, das über Jahrhunderte Bestand hatte.

Giottos persönlicherer, realistischer Stil führte zu einer echten Renaissance in der Kunst. Von da an würde Malerei eine eigene Kunstform, die schließlich die Skulptur in den Schatten stellte.

Die nächsten Galerien zeigen, wie andere Maler sich von den alten Normen entfernten. Obwohl die Ankündigung (etwa 1333) des sienesischen Künstlers Simone Martini und seines Schwagers Lippo Memmi immer noch sehr gotisch in ihrem Stil ist, zeigt sie bereits den Übergang zu einem neuen Realismus.

Der Rahmen, mit seinen Türmchen und Giebel, erklingt mit gotischer Architektur, aber das flatternde Gewand des Engels und die Jungfrau zeigen große Raffinesse und Eleganz. Die Bewegungen haben Zärtlichkeit und Sensibilität, aber die zarten weiblichen Bilder sind immer noch fast ätherisch.

Zu den weiteren Beispielen sienesischer Kunst des 14. Jahrhunderts gehören die Madonna in Glory (1340) von Pietro Lorenzetti, einem Anhänger von Giotto, und Szenen aus dem Leben des Heiligen Nikolaus von Ambrogio Lorenzetti, die durch Versuche, Perspektive zu verwenden, bemerkenswert sind.

Die prominentesten von Giottos florentinischen Anhängern, die hier gezeigt werden, sind Bernardo Daddi (gest. 1348) und Taddeo Gaddi (gest. 1366), deren Altartafeln zarte Farben und weiche, graziöse Linien verwenden, um Menschen und Szenen realistischer darzustellen.

Die Gotik dominierte die Kunst bis ins frühe 15. Jahrhundert, aber obwohl Gentile da Fabrianos Anbetung der Magier (1423) immer noch das gotische Ideal der Schönheit vermittelt, zeichnet sich die üppige Detailgenauigkeit durch den frühen Übergang von der Gotik zur Renaissance aus.

Im Hintergrund können Sie auch, unter den Bögen des kunstvollen Rahmens des Altars, die Anfänge des Versuchs sehen, Perspektive zu zeigen, während die Prozession kleiner wird und fast am Horizont verschwindet. Dies wird als sein Meisterwerk betrachtet und als Inbegriff der internationale gotischen Malerei.

Fabrianos Zeitgenosse, Masaccio, revolutionierte weiter die Kunst der Perspektive bei seinen Bemühungen, drei Dimensionen auf einer zweidimensionalen Oberfläche zu schaffen. Masaccios Madonna und Kind mit St. Anna (ca. 1420), gemalt mit Masolino, ist eines seiner frühen Werke.

Er zählt neben Brunelleschi und Donatello zu den Gründern der Renaissance, einer neuen Kunsterfahrung in der Realität, die auf der genauen Beobachtung und Aufzeichnung der Natur basiert. Dies sieht man in der reliefartigen Modellierung und der realistischen natürlichen Schönheit der Gesichter und Figuren in Masaccios Altartafel.

Achten Sie auch auf Die Krönung der Jungfrau von Fra Angelico, dem Dominikanermönch, der ein Zeitgenosse von Masaccio war und dessen mystisches religiöses Konzept der Kunst ihn in die entgegengesetzte Richtung führte. Aber er brachte auch in anderer Hinsicht Innovationen. Während er nach wie vor goldene Hintergründe und ätherisch drapierte Figuren verwendet, schafft Fra Angelicos reiche Farben und kreisförmige Anordnung der Figuren eine einheitliche bildliche Perspektive.

Indem er den vorherigen Brauch eines goldenen Hintergrunds für ein Altargemälde aufgibt, bringt Veneziano in diesem Werk von 1445 die Perspektive auf neue Höhen, indem er die Heiligen harmonisch in einem Halbkreis platziert und den Effekt der Tiefe durch die geometrischen Muster des eingelegten Marmors verstärkt.

Seine wichtigste Innovation jedoch war, dass er ein Meister von realistischem Licht und Schatten war. Seine feinen Nuancen und zarten Farbtöne lagen weit vor den festen Farbflächen seiner florentinischen Zeitgenossen. Venezianos Umgang mit Licht und Farben beeinflusste die Arbeit von Piero della Francesco, der häufig mit ihm zusammenarbeitete.

Die Porträtmalerei war ein weiterer Fokus der frühen Renaissancekunst - und einer, der die Mäzene zufrieden stellte. Porträts des Herzogs und der Herzogin von Urbino von Piero della Francesca aus etwa 1465 sind ein gutes Beispiel.

Aber Piero della Francesca schmeichelte seinen Abgebildeten nicht, er zeigt die aquiline Nase des Herzogs, Falten, dünne Lippen und stämmige Statur. Beachten Sie den Hintergrund, ein seltenes Beispiel einer frühen Renaissance-Landschaft.

Mehr wie ein Porträt als religiöse Kunst ist Filippo Lippis Jungfrau und Kind (ca. 1460), eine elegant gekleidete junge Maria mit zwei lächelnden Engeln, eine Szene, die Zuneigung und Augenkontakt zwischen Mutter und Kind zeigt und zunehmend säkularisierte Interpretationen religiöser Themen widerspiegelt.

Raum 9 zeigt riesige Tafeln der Sieben Tugenden von Piero del Pollaiolo. Tatsächlich malte Piero nur sechs, die siebte ist eines der frühesten Werke von Botticelli.

Was Sie in die goldene Ära von Florenz und zu einem seiner hellsten Sterne bringt, Botticelli. Neben ihrer eigenen Bereicherung waren die patrizischen Florentiner intensiv an klassischer Literatur und Philosophie interessiert, und Botticellis berühmtesten Werke, Die Geburt der Venus und Primavera, beide von einem Medici in Auftrag gegeben, spiegeln dies wider.

In der Geburt der Venus (1482/1483) verbindet Botticelli klassisches und christliches Denken im Hinblick auf die Ideen der Renaissance, die eine Wiedergeburt des Geistes aus der klassischen Mythologie und der christlichen Theologie darstellen. Er malt eine weibliche Aktfigur, die auf einer klassischen Statue der Liebesgöttin Venus basiert und impliziert eine christliche Taufe (wie Christus im Jordan getauft wird).

Vergleichen Sie dieses florentinische Denken mit dem Begräbnis (ca. 1450) des flämischen Malers Rogier van der Weyden und dem Portinari-Altarbild von Hugo van der Goes, beide im selben Raum, um zu schätzen, wie weit diese florentinischen Ideen von denen des Nordens abwichen. Dort wäre ein Akt undenkbar, und Figuren werden in Draperien verborgen.

Botticelli malte das Altargemälde Anbetung der Magier um 1475, als er etwa 30 war, und der Auftrag umfasste das Porträt der Mitglieder der Medici-Familie und deren Angehörigen unter den Zuschauern.

Er arrangierte die Gruppe in einer Pyramide mit der Heiligen Familie an der Spitze, unter ihnen die drei Könige - die drei ranghöchsten Medici - und darunter in der Rangfolge weitere Medici und deren Freunde. Das eigentliche Thema scheint in den Hintergrund zu rücken, mehr als Vorwand für eine prachtvolle Darstellung der Medici und ihrer Unterstützer.

Leonardo da Vinci lebte zu einer Zeit wissenschaftlicher Entdeckungen, die biblische Berichte als einziges Modell zur Erklärung des Universums hinterfragte. Ein Hauptmerkmal seiner Arbeiten, sei es Malerei oder Skulptur, war es, die Natur in seine Werke zu bringen, auf eine Weise, die mystische religiöse Themen in einer Welt glaubwürdiger machte, die sich rasch der Wissenschaft bewusst wurde. In diesem frühen Werk zeigt er die Flügel des Engels als realistische Vogel-gefüllte Flügel.

Leonardo erfasst auch sensibel die Atmosphäre seiner Zeit in der Anbetung der Magier (1481). In der Mitte dieses unvollendeten Bildes erscheinen die Madonna und das Kind als stabilisierender Einfluss, umgeben von einer wogenden Masse von Menschen, die die Geburt mit Staunen und Erstaunen oder mit Zweifel und Furcht begrüßen. Statt eines Volksmärchens gewinnt die Geburt eine neue Dimension der weltlichen Erlösung.

Raum 16 ist der letzte im ersten Teil der Tour durch die Uffizien, die der florentinischen und toskanischen Kunst von 1300 bis 1500 gewidmet ist, größtenteils in chronologischer Reihenfolge. Die Kunst der späteren italienischen Renaissance folgt in Raum 25 und darüber hinaus, angeordnet nach Malerschulen.

Bitte beachten Sie, dass mehrere dieser Galerien derzeit wegen Renovierung geschlossen sind, und nicht alle Werke möglicherweise gezeigt werden oder möglicherweise in andere Galerien verlegt worden sind. Es ist wichtig, bei Ihrem Besuch eine aktuelle Galeriekarten zu erhalten.

Im Zentrum der atemberaubenden achteckigen Tribuna, die selbst ein Kunstwerk ist, steht die Medici Venus, die berühmteste klassische Marmorstatue in Florenz und vermutlich eine späte griechische Version der Aphrodite von Knidos von Praxiteles.

An den Wänden hängen manieristische Porträts der Medici-Familie aus der Mitte des 16. Jahrhunderts, die herausragendsten von Pontormo, Bronzino und Vasari. Pietro Perugino, ein Schüler von Verrocchio und Lehrer von Raphael, wird durch Madonna mit Heiligen und verschiedene Porträts vertreten, die seinen dreidimensionalen Realismus und die gedämpften Farben zeigen, die den Weg für die klassische Kunst der Hochrenaissance ebneten.

Gleichzeitig zeigte die Turbulenz und Farbe von Luca Signorellis Stil, wie Sie sehen werden, seine Heilige Familie (ca. 1495) und Madonna und Kind, auf der anderen Seite viel mehr Turbulenz und Bewegung, was einen Einfluss auf den jungen Michelangelo hat.

Zur gleichen Zeit, als florentinische und andere italienische Maler die Kunstwelt veränderten, traten deutsche Künstler in ihre eigene Renaissance ein, wie Sie in Meisterwerken von Albrecht Dürer sehen werden.

In der Anbetung der Magier (1504) demonstriert Dürer sein Verständnis von Perspektive und dem Spiel von Licht in der Drapierung der Kleidung. Er verwendet helle Farben im Vordergrund, um die Illusion von Perspektive zu verstärken. Wie andere deutsche und nordeuropäische Künstler umfasst er eine Fülle von Details und strebt nach akribischem Realismus.

Der Nürnberger Künstler wird auch durch seine Jungfrau und Kind (1526) und eines seiner frühesten erhaltenen Werke, Porträt des Vaters (1490), vertreten.

Werke des deutschen Künstlers Lucas Cranach umfassen sein Porträt von Martin Luther und seiner Frau Katharina, ein Selbstporträt, ein beeindruckendes Melanchthon und ein ziemlich erotisches Adam und Eva.

Die venezianische Malerei, gekennzeichnet durch sanfte Farben und ausgewogenes Licht, wird durch Giovanni Bellinis Religiöse Allegorie (ca. 1485) und Giorgiones Porträt eines maltesischen Reiters repräsentiert.

Ebenfalls die Hochrenaissancekunst in Norditalien sind religiöse Werke von Antonio Allegri, besser bekannt als Correggio, dessen diagonale Kompositionen, Lichteffekte und ungewöhnliche Tiefen der Perspektive einen bleibenden Einfluss auf die spätere Barockmalerei hatten.

Michelangelos Heilige Familie (1504/1505), bekannt als die Doni Tondo, ist frei von jeglichem religiösen Sentiment, die Familie erscheint, als wäre sie aus einem Block gemeißelt, und zeigt Michelangelos starke Ausbildung in der Skulptur.

In diesem Gemälde sehen Sie Anzeichen seines Meisterwerks an der Decke der Sixtinischen Kapelle in der Fülle nackter Figuren und den leuchtenden, schillernden Farben. Das Jahr des Todes von Raphael (1520) markierte den Beginn des Mannerismus, der späten Phase der Renaissance, die bis etwa 1600 dauerte.

Ihr Abweichen von den klassischen Stilen umfasste unnatürliche Formen und Farben, wie gezeigt durch die fast zweidimensionale Komposition von Rosso Fiorentinos Moses, der die Töchter Jethros verteidigt (1523), dessen Figuren unrealistisch wirken, fast wie gliederbare Puppen.

Drei wichtige Werke von Raphael aus dieser Zeit umfassen ein Selbstporträt (ca. 1506), seine charmante Jungfrau Maria mit dem Stieglitz und Papst Leo X mit den Kardinälen Giulio de' Medici und Luigi de' Rossi. Raphael zeigt den Papst als Individuum und Intellektuellen, nicht einfach als mächtigen Führer.

Andrea del Sartos Madonna mit den Harpyien, ein monumentales Altargemälde, das typisch für die florentinische Hochrenaissancekunst ist, vereint Raphaels weiche Technik mit Michelangelos Monumentalität und Leonardo da Vincis atmosphärischen Qualitäten.

Der Mannerismus bildete die Übergangszeit des 16. Jahrhunderts zwischen Renaissance und Barock, turbulent und voller Bewegung, die die Realität verzerrt und die Frömmigkeit mystisch interpretiert. In Jacopo da Pontormos Abendmahl zu Emmaus (ca. 1525) sehen Sie den Einfluss seiner Lehrer, Leonardo da Vinci und Andrea del Sarto, verschmolzen mit der Inspiration aus dem späten Werk Raphael und der monumentalen Kunst Michelangelos.

Werke des großartigen venezianischen Malers Tizian umfassen Venus von Urbino (1538), Ludovico Beccadelli (1552), Venus und Cupid (1560), Eleonora Gonzaga della Rovere, Francesco Maria, Herzog von Urbino, und La Flora, eines seiner feinsten Frauenporträts.

Die Venus von Urbino ist besonders interessant wegen der Art und Weise, wie Tizian Rottöne verwendet, um verschiedene Teile des Bildes diagonal zusammenzuführen. Girolamo Francesco Maria Mazzola, bekannt als Parmigianino, war seinerseits von Correggio, der römischen Hochrenaissance und dem Mannerismus beeinflusst. Madonna mit dem langen Hals, gemalt zwischen 1534 und 1540, ist ein gutes Beispiel für Mannerismusverzerrungen mit ihren verlängerten Figuren und seltsamen Licht.

Wenn Ihre Augen bis jetzt nicht zugeglimmt sind, schauen Sie in die verbleibenden Galerien, die eine Vielzahl von Meisterwerken enthalten, darunter mehrere von venezianischen Künstlern. Paolo Veroneses Heilige Familie mit St. Barbara spiegelt die Opulenz Venedigs in seinen goldenen Tönen und der reichen Kleidung des Heiligen wider. Die realistischen Figuren und ausdrucksstarken Gesichter sind typisch für venezianische Maler.

Ebenfalls in dieser Galerie sind Veroneses Ankündigung und Martertod der St. Justina sowie Tintorettos Porträt eines Mannes. Im nächsten Raum befinden sich mehrere weitere von Tintoretto. Achten Sie auch auf das Haupt eines Jünglings von Lorenzo Lotto (1505).

In den nachfolgenden Galerien sind Werke von Van Dyck und einige von Rubens' besten Arbeiten zu finden - Heinrich IV. in Ivry und Heinrich IV. beim Eintritt in Paris, Isabella Brandt und der Eintritt von Ferdinand von Österreich in Antwerpen. Im Niobe-Raum finden Sie die feinste klassische Skulptur in Florenz nach der Medici Venus, die Medici-Vase aus dem zweiten Jahrhundert v. Chr.

Im Laufe seiner Karriere, die mit dem Goldenen Zeitalter der niederländischen Malerei zusammenfiel, malte Rembrandt eine Reihe von Selbstporträts, von denen zwei in den Uffizien gezeigt werden. Während er die Veränderungen in sich selbst vom selbstbewussten Jugendlichen zum alternden Maler dokumentiert, hält er auch seine Reise als Künstler fest. Gezeigt werden auch sein Porträt eines alten Mannes, das etwa zur gleichen Zeit wie sein späteres Selbstporträt gemalt wurde.

Suchen Sie hier auch nach Werken von Caravaggio, einschließlich seines Jungen Bacchus, Medusa und Das Opfer Isaaks. Der erstaunliche Realismus der beiden letzteren Werke wird durch Caravaggios brillanten Sinn für Drama bei der Verwendung von Licht und Schatten verstärkt.

Obwohl Sie damit rechnen müssen, dass die Schlangen für den Eintritt von Frühling bis Herbst sehr lang sind, sind die längsten an Wochenenden, dienstags und morgens. Wenn Sie keine Tickets im Voraus reserviert haben, können Sie manchmal welche am Ticketbüro des Museums in der Kirche von Orsanmichele kaufen, aber dies ist sonntags geschlossen und an Wochenenden oder Feiertagen sind keine-Tages-Tickets verfügbar. Sie haben möglicherweise keine verfügbar, aber es ist einen Versuch wert. Audiotouren sind verfügbar, aber das am Eingang verkaufte kleine Handbuch ist detaillierter.

Schnelle Eintrittskarten sind über geführte Gruppentouren erhältlich, wenn Sie sich entscheiden, nicht selbst zu gehen.

Von Anfang November bis Ende Februar ist die traditionelle "Nebensaison" für den Tourismus in Florenz, sodass Tickets kurzfristig leichter zu bekommen sind und die Museen weniger überfüllt sind. Besser noch, der Eintrittspreis für die Uffizien senkt sich von dem hohen Saisonpreis von 20 auf 12 Euro pro Person in diesen Monaten. Wann immer Sie gehen, aber insbesondere von Mai bis Oktober, reservieren Sie Ihre Tickets im Voraus, um sicher zu sein, dass Sie eintreten können.

Außer an Wochenenden und Feiertagen können Sie in der Schlange stehen und auf einen Platz warten. Wenn Sie sich um 7:45 Uhr in der Schlange anstellen, eine halbe Stunde bevor das Museum morgens öffnet, gibt es eine Chance, einen verfügbaren Zeitslot mit Tickets für diesen Tag zu finden. Aber selbst das wird im Juli oder August unwahrscheinlich funktionieren. Außerdem können Sie manchmal am selben Tag Uffizien-Tickets im Ticketbüro des Museums in der Kirche von Orsanmichele kaufen.

Traurigerweise nein. Das ist ein weiterer Grund, Florenz im Juli oder August nicht zu besuchen (obwohl der Juni ebenso heiß sein kann).

Ja, die Uffizien haben eine kostenlose Garderobe. Sie müssen alle Taschen oder Pakete abgeben.

Ja, Sie können für den persönlichen Gebrauch fotografieren, solange Sie keinen Blitz, ein Stativ oder einen Selfie-Stick verwenden.

Ja, die Uffizien haben ein kleines Café, in dem Sie Sandwiches kaufen können. Sie können auch Kaffee bekommen (wenn Sie ihn im Stehen trinken, kostet er ein Drittel des Preises, als wenn Sie ihn am Tisch trinken).

Piazzale degli Uffizi 6 (neben Piazza Signoria), Florenz

Offizielle Seite: https://www.uffizi.it/en