Besuch des Louvre-Museums: Höhepunkte

Eine Tour durch die umfangreichen Galerien des Louvre-Museums bietet einen Schnellkurs in der besten Kunst der westlichen Zivilisation. Einige der weltweit berühmtesten Meisterwerke sind hier ausgestellt, darunter die Mona Lisa von Leonardo da Vinci und die Vénus de Milo.

Eine große Anzahl der Gemälde des Museums gehörte den verschiedenen Königen, die im Louvre lebten, als es eine königliche Residenz war; andere Stücke wurden durch die Verträge Frankreichs mit dem Vatikan und der Venezianischen Republik erworben. Die Sammlung wurde weiter durch die Beute von Napoléon I. bereichert.

Das größte Museum der Welt, das Musée du Louvre, fasst Tausende von Kunstwerken in einem 73.000 Quadratmeter großen Ausstellungsbereich in drei Abschnitten: den Flügeln Denon, Richelieu und Sully, in einem prächtigen Gebäude, das einst der Palast französischer Könige war.

Jeder Flügel hat mehr als 70 Räume, die Gemälde und Kunstgegenstände ausstellen, außerdem gibt es riesige Hallen voller Skulpturen. Es ist unmöglich, die gesamte Sammlung an einem Tag oder sogar in einer Woche zu sehen.

Ein Besuch im Louvre gehört zu den wesentlichen Aktivitäten in Paris. Die meisten Touristen benötigen jedoch einige Anleitungen, um die Kunst und ihr reiches kulturelles Erbe wirklich zu schätzen. Diese Checkliste mit 15 Louvre "Höhepunkten" umfasst historischen Kontext und tiefere Einblicke zu jedem Stück, um Ihr Erlebnis zu bereichern.

Wissenschaftler debattieren, was die Mona Lisa zu einem der bekanntesten Gemälde der Welt macht. Eine Erklärung ist das Gefühl von Geheimnis.

Obwohl die Identität der Dargestellten unklar ist, wird die abgebildete Frau für Lisa Gherardini, die Frau von Francesco del Giocondo (einem Seidenhändler in Florenz, Italien), gehalten. Aus diesem Grund wird das Gemälde im Italienischen La Gioconda genannt, was auf Französisch La Joconde bedeutet.

Eine andere Erklärung für die Berühmtheit des Gemäldes ist das geheimnisvolle Lächeln der Dargestellten, das möglicherweise das Ideal des Glücks symbolisiert. Ihr fesselnder Ausdruck und der seitliche Blick ziehen die Betrachter in den Bann. Betrachtende bemerken, wie die Mona Lisa zu ihnen zu blicken scheint, egal wo sie im Raum stehen.

Viele Besucher kommen nur in den Louvre, um dieses eine Gemälde zu sehen, das sicherlich das berühmteste Kunstwerk des Museums ist. Das kleine Gemälde in der Salle des États (Raum 711) wurde um 1503 von Leonardo da Vinci geschaffen und ist mit einer zusätzlichen Schicht Plexiglas versehen und normalerweise von einer Menge Touristen umgeben, die versuchen, einen Blick darauf zu erhaschen.

Um das Gemälde besser zu würdigen, ist es eine gute Idee, an einer Kleingruppenführung ohne Warteschlangen im Louvre teilzunehmen, die von einem sachkundigen Guide geleitet wird. Diese Tour ermöglicht es den Teilnehmern, die langen Eingangsleitungen des Museums zu umgehen und direkt zu den Musswerkwerken zu gehen, sodass sie die Zeit im Museum optimal nutzen.

Paolo Caliari (bekannt als Véronèse) schuf Les Noces de Cana im Jahr 1563, beauftragt vom Benediktinerkloster San Giorgio Maggiore in Venedig.

Das größte Gemälde des Louvre-Museums, diese immense Leinwand von sechs Metern Höhe und zehn Metern Breite, bedeckt eine ganze Wand der Louvre-Galerie von Fuß bis Decke. Ursprünglich sollte es das Refektorium des venezianischen Klosters schmücken.

Les Noces de Cana (Das Hochzeitsmahl zu Kana) ist eine meisterhafte Komposition, die die biblische Hochzeitsszene zu Kana in Galiläa darstellt, das Ereignis, bei dem Christus laut Johannes dem Apostel das Wunder vollbringt, Wasser in Wein zu verwandeln.

Die bemerkenswerte Komposition mit mehr als 100 Figuren schafft es, harmonisch und nicht überladen zu wirken. Das Brautpaar sitzt am Ende des Festtischs auf der linken Seite. Christus befindet sich in der Mitte, umgeben von seinen Jüngern. Zeitgenössische Venezianer vermischen sich mit biblischen Persönlichkeiten in orientalischen Turbanen.

Die erstaunliche Detailgenauigkeit des Künstlers zeigt sich in der realistischen Kleinigkeiten, wie dem Drapieren der prächtigen venezianischen Kostüme. Die actionreiche Szene ist voller Überraschungen: ein Zwerg, der einen Papagei hält (linke untere Seite), kleine Vögel, freundliche Hunde und eine amüsante Katze (rechte untere Seite), die wie ein ungebetener Gast aussieht, während sie ihre Krallen an einem Wasserkaraffe kratzt.

Die Vénus de Milo steht in der Galerie der Antiken im Louvre, in der Salle de la Vénus de Milo (Raum 345), einer prächtigen Galerie aus dem 19. Jahrhundert, die mit rotem Marmor verkleidet ist.

Diese verführerische Statue, auch bekannt als Aphrodite, repräsentiert das griechische Ideal der Schönheit. Um 100 v. Chr. geschaffen, spiegelt die Göttinnenstatue die Stilisierung der späten hellenistischen Periode wider.

Das Werk fasziniert die Kunstwelt, seit es 1820 auf der griechischen Insel Milos ("Melos" im antiken Griechisch) entdeckt und König Ludwig XVIII. präsentiert wurde.

Was diese Statue zu einem Meisterwerk macht, ist die ausgewogene Komposition, das Gefühl von Raum und die Art, wie der Drapierung über die Hüften der Göttin fällt. Leider erschwert das Fehlen von Marmorstücken die vollständige Identifizierung und das Verständnis der Statue.

Kunsthistoriker haben versucht sich vorzustellen, wie ihre Arme positioniert waren und wo sie gestanden haben könnte. Einige glauben, dass sie möglicherweise einen Apfel, eine Krone oder ein Schild gehalten hat. Eine andere Hypothese ist, dass Venus einen Spiegel in einer Hand hielt, um ihr Spiegelbild zu bewundern.

Ein Meisterwerk der hellenistischen Kunst, diese monumentale klassische Skulptur ist atemberaubend zu sehen. Präsentiert in ihrem eigenen Raum oben an der imposanten Daru-Treppe, hat die Victoire de Samothrace (Flügelteiligkeit) eine Art, Besucher zu fesseln, wenn sie um die Ecke biegen und einen Blick auf die Statue erhaschen.

In einer mutigen Haltung auf dem Bug eines Schiffes thronend, führt die geflügelte Göttin des Sieges (Nike) ein Schiff, das durch heftige Windböen segelt. Um 190 v. Chr. geschaffen, wurde die geflügelte Göttin des Sieges auf der Insel Samothrace gefunden und wird für ein religiöses Angebot der Bevölkerung von Rhodos zur Erinnerung an einen maritimen Sieg gehalten.

Die Figur der Göttin wird so genau dargestellt, dass man kaum glauben kann, dass sie 2000 Jahre vor der Fotografie und 3D-Grafikmodellierung geschaffen wurde. Die spiralförmige Komposition erzeugt den Eindruck von lebhafter Bewegung, mit zurückgehaltenen Flügeln und dem rechten Bein, das vorn steht.

Dank der subtil dargestellten skulpturalen Details scheint die Göttin von Wasser durchtränkt zu sein. Ihre Kleidung hat den realistischen Effekt von leichtem Stoff, der sich an ihren Hüften und Beinen schmiegt und die Form des nackten weiblichen Körpers offenbart. Gleichzeitig lässt eine Brise die drapierte Tunika der Göttin wehen, was ein atemberaubendes Gefühl von Realismus verleiht.

Napoléon I. beauftragte Jacques-Louis David, dieses majestätische Gemälde als Dokument seiner Krönungszeremonie zu schaffen. Napoléon erklärte sich im Mai 1804 nach einem Staatsstreich nach seinen siegreichen Militärkampagnen in Italien und Ägypten zum Kaiser.

Die Krönungszeremonie wurde nach dem Protokoll der Krönung eines Königs in der französischen monarchischen Tradition durchgeführt. Napoléon krönte sich jedoch selbst, während er der Versammlung gegenüberstand, anstatt vom Papst gekrönt zu werden, um eine Erklärung über seine Unabhängigkeit von der Kirche abzugeben.

Jacques-Louis David nahm an der Krönungszeremonie am 2. Dezember 1804 in der Kathedrale Notre-Dame in Paris teil. Von 1805 bis 1808 schuf der Künstler dieses makellos detaillierte und lebensechte Gemälde des Ereignisses mit insgesamt 146 anwesenden Personen.

Die Krönung des Kaisers Napoléon I erstreckt sich über eine übergroße Leinwand von sechs Metern Höhe und zehn Metern Breite; seine großen Proportionen verleihen den Zuschauern den Eindruck, tatsächlich bei der Krönungszeremonie dabei zu sein. Als er das Gemälde sah, soll Napoléon eine Bemerkung in Bezug auf seine Pracht und Realismus gemacht haben: 'Man kann durch dieses Gemälde gehen!'

David stellt die Zeremonie genau dar und erfüllt Napoléons Wunsch, eine symbolische und politische Botschaft zu vermitteln, um das Ereignis zu verherrlichen und ihm einen einzigartigen Platz in der Geschichte zu geben.

Les Salles Rouges (Rote Räume) zeigen Die Krönung des Kaisers Napoléon I und andere prestigeträchtige historische Gemälde, wie Madame Récamier von Jacques-Louis David, Le Radeau de la Méduse (Das Floß der Medusa) von Théodore Géricault, Mademoiselle Rivière von Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Liberté Guidant le Peuple (Die Freiheit führt das Volk) und La Mort de Sardanapale (Der Tod des Sardanapalus) von Eugène Delacroix.

Dieses eindrucksvolle Gemälde illustriert eines der wichtigsten Ereignisse in der französischen Geschichte, den Pariser Aufstand von Juli 1830, als die Republikaner von Frankreich einen Aufstand gegen die Regierung der Zweiten Republik anführten.

Delacroix wollte mit La Liberté Guidant le Peuple (Die Freiheit führt das Volk) die Werte der Revolution von 1789 und das Ideal der Volkssouveränität hervorheben. Die Schaffung dieses Werkes war ein patriotischer Akt, da Delacroix leidenschaftlich an der republikanischen Sache glaubte.

Die allegorische Figur der Freiheit wird als starke und inspirierende, unbekleidete Frau dargestellt (Nacktheit ist in französischen historischen Gemälden gängig), die auf eine klassische griechische Göttin anspielt. Die Beweise für ihren Willen und ihre kämpferische Natur zeigt sie, indem sie in einer Hand die französische Flagge und in der anderen ein Infanteriegewehr hält.

Die Figur der Freiheit erhebt sich siegreich aus einem dunklen, rauchigen Hintergrund und scheint in Licht getaucht zu sein, was symbolisch für ihr moralisches Licht steht. Delacroix bringt eine tief emotionale, romantische Interpretation in das Gemälde und zugleich eine realistische Qualität.

Von all den Skulpturen in der lichtdurchfluteten Galerie Michel-Ange (Raum 403) ist diese am charmantesten ausgeführt. Diese Skulptur, Psyche Revived by the Kiss of Love (auch auf Französisch L'Amour et Psyché genannt), wurde von der mythologischen Geschichte von Cupid und Psyche aus Ovids Metamorphosen inspiriert.

In dieser Geschichte sieht Cupid Psyche, die nach dem Einatmen eines verbotenen Tranks in einen Schlafzauber gefallen ist. Cupid nähert sich sanft Psyche, um sie zu küssen. Dann wacht Psyche auf und umarmt Cupid träge. Dies ist der zärtliche Moment, der in diesem bezaubernden Meisterwerk festgehalten ist.

Antonio Canova schuf ein Werk, das voller Emotionen ist, typisch für romantische neoklassizistische Skulpturen. Gleichzeitig ist die Skulptur so präzise, dass die Figuren lebensecht wirken.

Beachten Sie die feine Skulptur der Flügel von Cupid, den Köcher voller Pfeile und die Ornamentik auf der Amphore. Bewundern Sie, wie Cupid Psyches Hals hält und die Kurve ihrer Hüfte, während sie sich ihm zuwendet, alles gezeigt mit einem perfekten Sinn für Proportion und Bewegung.

Sorgfältig gemeißelte Merkmale und anatomische Details wie Psyches Bauchnabel und elegante Zehen verleihen der Komposition ein Gefühl von Authentizität und erzeugen den Eindruck, dass die Figuren aus Fleisch und nicht aus Marmor bestehen.

Dieses emblematische Gemälde des "Sonnenkönigs" wurde 1701 von dem französischen königlichen Porträtmaler Hyacinthe Rigaud geschaffen. Das Gemälde sollte ursprünglich ein Geschenk für Philipp V. von Spanien sein, wurde jedoch so sehr vom französischen Hof geschätzt, dass es nie an den spanischen König gesendet wurde.

In exquisitem Detail ausgeführt, zeigt das Porträt Ludwig XIV. als das ultimative Bild absoluter Macht. Der opulente Hintergrund und die imposanten Krönungsroben des Königs symbolisieren seine Größe. Ludwig XIV. war 63 Jahre alt, als dieses Porträt gemalt wurde.

Beachten Sie den Reichtum des königlichen Umhangs, der mit Fleur-de-Lys (Lilienblüten), dem königlichen Symbol, bestickt ist. Im Hintergrund ruht eine Krone neben dem König auf einem Hocker. Dieses Gemälde sollte den Betrachter an die Autorität von Ludwig XIV. erinnern.

Renoir betrachtete Jan Vermeers Gemälde der Der Spitzenmacher als eines der schönsten Gemälde der Welt. La Dentellière wurde von Vermeer um 1669 oder 1670 geschaffen.

Das Motiv der Spitze wurde oft in niederländischen Gemälden des 17. Jahrhunderts verwendet, um traditionelle weibliche Tugenden zu symbolisieren. Im Vordergrund des Gemäldes befindet sich ein kleines Buch, das höchstwahrscheinlich eine Bibel ist, was dem Werk eine weitere moralische und religiöse Dimension verleiht.

Vermeer liebte es, Szenen des Alltagslebens zu malen und war geschickt darin, vertraute Objekte auf ansprechende Weise darzustellen. Die junge Frau (vermutlich Vermeers Frau) wird gezeigt, wie sie sich intensiv auf ihre mühsame Arbeit in der Spitzenherstellung konzentriert.

Der Faden zwischen den Fingern der Frau und die Nadeln und Spulen bilden den zentralen Fokus des Werkes. Die Objekte im Hintergrund werden mehr unscharf, was das natürliche optische Feld des menschlichen Auges widerspiegelt.

Vincent van Gogh lobte dieses Bild für seine harmonische Farbkombination, die im lebhaften Nähkissen und den mehrfarbigen Garnen zu sehen ist.

Die Chevaux de Marly (Marly-Pferde) wurden von König Ludwig XIV. für den Pferdedamm im Château de Marly in Auftrag gegeben. Sie wurden zwischen 1739 und 1745 geschaffen. Diese monumentale Carrara-Marmor-Skulptur ist ein überlebensgroßes Bild zweier Pferde, die von Groomern gehalten werden.

Der Bildhauer, Guillame Coustou, ließ sich wahrscheinlich von den antiken römischen Statuen inspirieren, die vor dem Quirinal-Palast in Rom stehen und Halbgötter Castor und Pollux zeigen, die versuchen, ihre Pferde zu zähmen. In Anspielung auf diesen klassischen Bezug symbolisieren die Marly-Pferde den Kampf zwischen Mensch und Natur (vertreten durch ein ungezähmtes Pferd).

Im schönen Salon Carré des Louvre (Raum 708) ausgestellt, ist das Coronation of the Virgin eines der Meisterwerke der mittelalterlichen Malerei im Louvre. Guido di Pietro, bekannt als Fra Angelico, schuf dieses Werk zwischen 1430 und 1432, und es wurde ursprünglich als Altarbild für das Kloster San Domenico in Fiesole außerhalb Florenz verwendet.

Das Thema der Krönung der Jungfrau wurde im 13. Jahrhundert sehr häufig in der Kunst dargestellt, und dieses Beispiel zeigt außergewöhnliche Zartheit und künstlerische Brillanz.

Das prächtige Gemälde illustriert die Aufnahme der Jungfrau Maria, wie sie in den Himmel aufgenommen wird und von Christus, der hoch oben auf einem Thron sitzt, gekrönt wird, der durch Marmortreppen erreichbar ist.

Die Szene ist mit unglaublichen Details und in leuchtenden Farbtönen dargestellt. Zum Beispiel malte Fra Angelico die neun Marmortreppen in verschiedenen Farben. Überall sind reichhaltige Vergoldungen zu finden, sowohl im Thron Christi als auch in den Heiligenscheinen der Engel, was einen königlichen Hof im Himmel zu suggerieren scheint.

Um 1635 geschaffen, findet The Cheat with the Ace of Diamonds einen Platz der Ehre unter den französischen Malern des 17. Jahrhunderts, die für ihre Realität bekannt sind. Georges de La Tours charakteristischer Realismus erweckt die Szene von vier Personen, die am Tisch sitzen und Karten spielen, zum Leben.

Die komplexen Details und der subtile Ausdruck von Emotionen verleihen der Komposition Authentizität, wodurch die Betrachter sich wie Zuschauer eines echten Kartenspiels fühlen. Als Zuschauer haben wir ein Gefühl der Neugier und Vorfreude darauf, was als Nächstes passieren wird.

Wir beobachten, wie das Subjekt des Gemäldes, ein flamboyant gekleideter junger Mann mit einer Federhaube, dabei ist, betrogen zu werden. In einer ungewöhnlichen Komposition wird das Subjekt an der rechten Seite (statt in der Mitte) des Gemäldes gezeigt, in einem Raum, der von den anderen getrennt ist.

Während die andere Gruppe von drei Personen scheint, ein Geheimnis zu teilen, was sich in ihren seitlichen Blickbewegungen zeigt. Die Frau mit dem tiefen Dekolleté zieht die Aufmerksamkeit des Betrachters mit ihrem schleichenden Blick auf sich. Sie kommuniziert stillschweigend mit dem Spieler (dem Betrüger) auf der linken Seite des Gemäldes, der diskret eine As von Diamantenkarte aus seinem Gürtel zieht, die die "gewinnende" Karte sein wird.

Ein faszinierender Aspekt dieses Gemäldes: Der Betrüger scheint in Richtung des Betrachters zu schielen, als ob er weiß, dass er beobachtet wird. Als Betrachter fangen wir den Betrüger und seine Komplizen in ihrem Fehlverhalten ein. Georges de La Tour nutzt diese Szene, um uns ein moralisches Drama über die Sünden von Lust, Alkohol und Glücksspiel zu erzählen.

Ein auffälliges Gemälde, das Portrait de l'Artiste Tenant un Chardon war eines der ersten eigenständigen Selbstporträts in der europäischen Malerei. Albrecht Dürer schuf dieses Porträt von sich selbst im Jahr 1493, als er erst zweiundzwanzig Jahre alt war. Der Künstler hält eine Distel, die entweder seine Treue zu seiner Verlobten oder eine Anspielung auf die Passion Christi darstellt.

Die Komposition eines dreiviertellangen Bustes war typisch für die Porträtmalerei im 16. Jahrhundert. Die Betrachter können eine gewisse Unbeholfenheit im Porträt erkennen, da der Künstler von seinem Spiegelbild arbeitete.

Diese ausdrucksvollen Statuen sind Meisterwerke von Michelangelo und zeigen sein technisches Können und emotionale Tiefe. Die beiden Skulpturen, L'Esclave Mourant (Der Sterbende Sklave) und L'Esclave Rebelle (Der Rebellische Sklave), stehen in der Galerie Michel-Ange (Raum 403), einer geräumigen Galerie mit großen Fenstern, die Tageslicht hereinlässt.

Beide sind gefesselt und nackt dargestellt, um ihre Verwundbarkeit zu betonen, aber die beiden Sklaven vermitteln sehr unterschiedliche Emotionen. Der Sterbende Sklave scheint in einen tiefen ewigen Schlaf gefallen zu sein, während der Rebellische Sklave in einem gewalttätigen Kampf verzerrt aussieht. Einige Kunsthistoriker haben die Skulpturen so interpretiert, dass sie die menschliche Seele symbolisieren, die vom Körper gefesselt ist.

Michelangelo begann 1513 mit der Arbeit an den Statuen im Rahmen eines monumentalen Projekts zur Schaffung eines Grabes für Papst Julius II. Das Projekt wurde jedoch verzögert und schließlich verworfen. Dies ist ein möglicher Grund, warum die Statuen unvollständig sind, wobei Meißelmarken noch sichtbar sind.

Eine andere Erklärung ist, dass Michelangelo das Maximum an künstlerischem Potenzial aus dem Rohblock Marmor erreicht hatte. Tatsächlich gibt es etwas Poetisches über das Bild der Sklaven, die warten, um aus dem Marmor befreit zu werden.

Das ultimative Symbol von Pracht und Souveränität, die Krönungskronen Frankreichs spiegeln den Reichtum und die Macht der französischen Monarchen wider, ebenso wie den Ruhm von Kaiser Napoléon I. und Napoléon III. Die Kronen wurden für jeden König maßgefertigt und mit kostbaren Edelsteinen verziert.

Achten Sie besonders auf die Couronne de Louis XV (Krone von Ludwig XV.), die zwei Reihen von Perlen und acht Edelsteinen (Smaragde, Saphire, Rubin und Topasen) hat, die abwechselnd mit funkelnden Diamanten kombiniert sind. Die Bögen der Krone sind mit diamantbesetzten Fleur-de-Lys (Lilienblüten), dem Emblem der französischen Monarchen seit dem 12. Jahrhundert, geschmückt.

Für die Liebhaber des Glitzers ist der 140-karätige "le Régent" (der "Regent"-Diamant) ein absolutes Muss. Dieser schillernde Edelstein zählt zu den feinsten und brillantesten Diamanten der Welt und wird für seine Perfektion geschätzt.

Ein Stück, das der ältesten Tochter (und dem einzigen überlebenden Kind) von Ludwig XVI. und Marie-Antoinette gehörte, ist das Diadème de la Duchesse d'Angoulême (Tiara der Herzogin von Angoulême), ein funkelndes Stück, das mit Diamanten und Smaragden geschmückt ist.

Die majestätische Couronne de l'Impératrice Eugénie (Krone von Kaiserin Eugénie) exemplifiziert prächtige Schmuckstücke aus der Zweiten Empire-Epoche. Der kaiserliche Juwelier Alexandre-Gabriel Lemonnier entwarf diese funkelnde Krone mit 2.480 Diamanten, die in Form von Palmetten eingesetzt sind und von 56 kostbaren Smaragden flankiert werden.

Die Kronjuwelen werden in der kürzlich renovierten Galerie d'Apollon (Denon-Flügel, Raum 705) ausgestellt, die 2020 wiedereröffnet wurde. Diese extravagant dekorierte Galerie wurde im 17. Jahrhundert von Louis Le Vau, dem Architekten des Schloss Versailles, und Charles Le Brun, dem offiziellen Maler von Ludwig XIV., geschaffen. Die prächtige Dekoration der Galerie steht der Schönheit der in den Ausstellungen gehaltenen Schmuckstücke in nichts nach. Im 19. Jahrhundert vervollständigte Eugène Delacroix das zentrale Deckenbild der Galerie.

Der Haupteingang zum Louvre befindet sich im zentralen Innenhof an der Pyramide du Louvre. Entworfen von dem Architekten Ieoh Ming Pei und 1989 eröffnet, besteht diese ikonische 22 Meter hohe Pyramide aus 675 Glasflächen, die den Innenraum mit natürlichem Licht fluten.

Die Pyramide ermöglicht den Zugang zur Cour Napoléon, wo die Ticketkasse und die Informationstheke untergebracht sind.

Es gibt schnellere Wege, um ins Museum zu gelangen (von der Carrousel du Louvre oder dem Eingang Rue de Rivoli), aber die Glas-Pyramide ist der dramatischste Eingang zur großartigen Sammlung feiner Kunst im Louvre.

Die ursprünglichen Fundamente des Louvre befinden sich im Abschnitt des mittelalterlichen Louvre, der durch die Pyramide und die Rolltreppe zum Sully-Flügel betreten wird. Dieser unterirdische Bereich lässt die mittelalterliche Festung erkennen, die König Philippe Auguste 1190 errichten ließ.

Besucher können die alten Fundamente, die Überreste des mittelalterlichen Grabens und die Verliese sowie die Salle Saint-Louis (erbaut zwischen 1230 und 1240), das einzige verbliebene Überbleibsel des Hauptgebäudes der mittelalterlichen Festung, sehen.

In mehreren Räumen des mittelalterlichen Louvre werden Dokumente, Modelle und Gemälde zur Geschichte des Louvre ausgestellt.

Die düstere mittelalterliche Festung des Louvre wurde unter Karl V., Karl VI. und Heinrich II. verbessert und von Ludwig XIII. und Ludwig XIV. in einen viel beeindruckenderen und luxuriöseren königlichen Palast verwandelt. Der Salle des Caryatides ist ein prächtiger Empfangssaal, der für König Heinrich II. geschaffen wurde.

Die Chambre de Parade du Roi (Raum 25 der Abteilung für ägyptische Antiquitäten) ist das Schlafzimmer, in dem Karl IX. und Heinrich III. jeden Morgen den Hof empfingen. Die Salle des Sept-Cheminées (Raum 74 der Abteilung für griechische, etruskische und römische Antiquitäten) war die königliche Wohnung von Ludwig XIV., bis er seinen Palast nach Versailles verlegte.

Selbst nachdem der Louvre nicht mehr ein königlicher Palast war, wurde er von Napoléon III. für offizielle Zwecke verwendet. Besucher können auch den opulenten Grand Salon und die Speisesäle der Appartements Napoléon III (Richelieu-Flügel, Raum 544) sehen. Sie exemplifizieren den Stil des Zweiten Imperiums und präsentieren eine üppige Ausstattung mit funkelnden Kronleuchtern, vergoldeten Verzierungen, dekorativen Stuckarbeiten, seidigen Vorhängen, Samt-Möbeln und herrlich kunstvoll bemalten Decken.

Ein weiterer Raum, den man im Museum unbedingt sehen sollte, ist die Galerie d'Apollon. Dieser prächtige Empfangssaal hat ein spektakuläres Deckenbild, das von Charles Le Brun begonnen wurde und Ludwig XIV., dem Sonnenkönig, gewidmet ist. Der Teil, der nicht von Le Brun vollendet wurde, ist das atemberaubende zentrale Panel, das Apollo tötet die Schlange Python darstellt und 1851 von Delacroix gemalt wurde.

Adresse: Rue de Rivoli, 75001 Paris